POESIA DEL SIGLO XX

Primera mitad del siglo

Las vanguardias: Lo que más se trabajo fue la poesía pero la novela se renueva.

En la novela:

· Se construyen mundos fantásticos.

· Se da la combinación de mundos reales y ficticios (mundos absurdos e inexplicables).

· Se renuncia a la objetividad.

· Carácter fragmentado.

· Manejo del tiempo.

· Temas existencialistas como el problema por el tiempo y la fugacidad de la belleza.

En la novela aparecen grandes maestros como son:

Franz Kafka: obra más importante la metamorfosis.

James Joyce: obras: Dublineses y Retrato del artista adolescente

Thomas Mann: obra Los Buddenbrook

Marcel Proust: obras como Los placeres y los días y Por el camino de Swann.

Generación perdida

Fue un grupo de notables escritores norteamericanos que vivieron en París y en otras ciudades europeas en el periodo que va desde el final de la Primera Guerra Mundial hasta la Gran Depresión. Este grupo incluye escritores como fueron John Dos Passos, Ezra Pound, Erskine Caldwell, William Faulkner, Ernest Hemingway, John Steinbeck y Francis Scott Fitzgerald.

Existen escritores cuyo mundo literario nos es indescifrable o, al menos, muy difícil de interpretar. Su carácter simbólico hace que cualquier intento de explicarlo sea sólo eso, puro intento, mera especulación, cuya veracidad únicamente nos podría confirmar el propio autor, cosa en este caso totalmente imposible.

Partiendo de este principio, bridaremos una interpretación, al menos, coherente y verosímil, de una obra tan sencilla en su forma como compleja en su contenido: La metamorfosis.

Franz Kafka (Praga, 1.883 – 1.924) es un autor atípico, no sólo por lo anteriormente mencionado, sino porque jamás escribió una obra con intención de publicarla. Sería su amigo Max Brod quién lo animaría a ello. Era hombre de temperamento introvertido y complejo.

En lo que respecta a su universo literario, basta decir que su apellido ha dado lugar a un adjetivo, que utilizamos para referirnos a algo que es, a un tiempo, absurdo y siniestro. Llamamos “kafkiana” a una situación que carece de sentido y que resulta peligrosa.

Precisamente en este sentido se ha alineado la mayor parte de la crítica. Ésta ha considerado la obra del checo como una asombrosa e inquietante plasmación de las angustias del hombre contemporáneo, el cual se siente perdido en un mundo sin explicación. Este mundo inhumano, regido por no se sabe quién, degrada y somete al hombre, angustiando su vida.

“La metamorfosis” fue escrita en 1.912, en apenas dos semanas, pero no vio la luz hasta 1.915. Tiene un argumento tan sencillo como perverso. No es lo que se narra, sino lo que ello simboliza. Cuenta la historia del viajante de comercio Gregor Samsa, quién un buen día se despierta convertido en un monstruoso insecto gigante, lo cual hace que, en principio, crea seguir soñando, pero su propio cuerpo lo convence, con su dificultad de movimientos, de que está despierto. Dos veces intenta salir de su habitación, vive con sus padres y hermana, pero la violenta reacción de éstos ante tan monstruosa aparición lo devuelven a ella, donde acabará muriendo.

POESIA DEL SIGLO XIX

POESIA DEL SIGLO XIX

El siglo XIX se caracterizo por una serie de géneros literarios siendo los más destacados, la fábula, la sátira o el poema didáctico. Y la poesía lírica que se concentra en el año 1840.

En este siglo se crearon do corrientes nacidas en Francia y son opuestas entre sí. Estas son:

El parnasianismo

Fue un movimiento literario francés de la segunda mitad del siglo XIX que surgió como reacción contra el Romanticismo, el subjetivismo y el socialismo artístico.

En el parnasianismo hace que se vuelve a la temática griega y latina, pues se construye una escuela literaria que va más allá de la asimilación de la temática clásica, para romper con el principio romántico de la pasión.

El parnasianismo tiene cierta proyección por el realismo y asume una postura neoclásica.

Características

· En el momento de la creación el artista debe deslindarse de cualquier preocupación.

· los textos son objetivos e impersonales. Se sustituye el lirismo por las frías, formas clásicas de la poesía grecolatina.

· Se tenía cierta admiración por la perfección de la forma.

· La belleza externa (forma en que se escribe).

Autor principal

Leconte Lisle: con su obra poemas antiguos: trata de explicar cómo debe ser la poesía del parnasianismo.

La poesía parnacianista era muy descriptiva, objetiva y fría. Se expresa lo que se siente sin importar como pueda afectar la realidad.

El Simbolismo

Fue uno de los movimientos artísticos más importantes de finales del siglo XIX, originado en Francia y en Bélgica. El movimiento tiene sus orígenes en Las flores del mal, libro emblema de Charles Baudelaire. Los escritos de Edgar Allan Poe, a quien Baudelaire apreciaba en gran medida.

Fue definido en su momento como un movimiento oscuro y enigmático debido al uso exagerado de metáforas que buscaban evocar afinidades ocultas por medio de la sinestesia.

Charles Baudelaire cansado del realismo hace la propuesta de reivindicar la fantasía y la imaginación pero haciendo uso de la realidad. Toma los elementos o cosas reales para hacerlos ver. Transforma la fealdad en belleza.

Se habla de dandi como un hombre con sensibilidad y capaz de percibir lo estético.

La llegada de los poetas malditos

Es una prosa poética de Paul Verlaine publicada por primera vez en 1884, y luego se hizo una versión aumentada y definitiva en 1888.

La idea de poeta maldito, se tomo en parte del poema Bendición incluido en el libro Las flores del mal del poeta Charles Baudelaire. El uso de esta expresión y del término malditismo se utilizo para referirse a cualquier poeta o escritor que fuera cual fuera talento, se oponen especialmente a los que llevan una vida bohemia, rechazan las normas establecidas, tanto las reglas del arte como los convencionalismos sociales y desarrollan un arte libre.

mapas RENACIMIENTO

Dublín, 1854 - París, 1900) Escritor británico. Hijo del cirujano William Wills-Wilde y de la escritora Joana Elgee, Oscar Wilde tuvo una infancia tranquila y sin sobresaltos. Estudió en la Portora Royal School de Euniskillen, en el Trinity College de Dublín y, posteriormente, en el Magdalen College de Oxford, centro en el que permaneció entre 1874 y 1878 y en el cual recibió el Premio Newdigate de poesía, que gozaba de gran prestigio en la época.

Oscar Wilde combinó sus estudios universitarios con viajes (en 1877 visitó Italia y Grecia), al tiempo que publicaba en varios periódicos y revistas sus primeros poemas, que fueron reunidos en 1881 en Poemas. Al año siguiente emprendió un viaje a Estados Unidos, donde ofreció una serie de conferencias sobre su teoría acerca de la filosofía estética, que defendía la idea del «arte por el arte» y en la cual sentaba las bases de lo que posteriormente dio en llamarse dandismo.

A su vuelta, Oscar Wilde hizo lo propio en universidades y centros culturales británicos, donde fue excepcionalmente bien recibido. También lo fue en Francia, país que visitó en 1883 y en el cual entabló amistad con Verlaine y otros escritores de la época.

En 1884 contrajo matrimonio con Constance Lloyd, que le dio dos hijos, quienes rechazaron el apellido paterno tras los acontecimientos de 1895. Entre 1887 y 1889 editó una revista femenina, Woman’s World, y en 1888 publicó un libro de cuentos, El príncipe feliz, cuya buena acogida motivó la publicación, en 1891, de varias de sus obras, entre ellas El crimen de lord Arthur Saville.

El éxito de Wilde se basaba en el ingenio punzante y epigramático que derrochaba en sus obras, dedicadas casi siempre a fustigar las hipocresías de sus contemporáneos. Así mismo, se reeditó en libro una novela publicada anteriormente en forma de fascículos, El retrato de Dorian Gray, la única novela de Wilde, cuya autoría le reportó feroces críticas desde sectores puritanos y conservadores debido a su tergiversación del tema de Fausto.

o disminuyó, sin embargo, su popularidad como dramaturgo, que se acrecentó con obras comoSalomé (1891), escrita en francés, o La importancia de llamarse Ernesto (1895), obras de diálogos vivos y cargados de ironía. Su éxito, sin embargo, se vio truncado en 1895 cuando el marqués de Queenberry inició una campaña de difamación en periódicos y revistas acusándolo de homosexual. Wilde, por su parte, intentó defenderse con un proceso difamatorio contra Queenberry, aunque sin éxito, pues las pruebas presentadas por este último daban evidencia de hechos que podían ser juzgados a la luz de la Criminal Amendement Act.

El 27 de mayo de 1895 Oscar Wilde fue condenado a dos años de prisión y trabajos forzados. Las numerosas presiones y peticiones de clemencia efectuadas desde sectores progresistas y desde varios de los más importantes círculos literarios europeos no fueron escuchadas y el escritor se vio obligado a cumplir por entero la pena. Enviado a Wandsworth y Reading, donde redactó la posteriormente aclamada Balada de la cárcel de Reading, la sentencia supuso la pérdida de todo aquello que había conseguido durante sus años de gloria.

Recobrada la libertad, cambió de nombre y apellido (adoptó los de Sebastian Melmoth) y emigró a París, donde permaneció hasta su muerte. Sus últimos años de vida se caracterizaron por la fragilidad económica, sus quebrantos de salud, los problemas derivados de su afición a la bebida y un acercamiento de última hora al catolicismo. Sólo póstumamente sus obras volvieron a representarse y a editarse. En 1906, Richard Strauss puso música a su drama Salomé, y con el paso de los años se tradujo a varias lenguas la práctica totalidad de su producción literaria.

Reseña crimen y castigo

esta novela se centra en el personaje Rodion Romanovich Raskolnikof, un individuo solitario y de estilo de vida absurdo, provocado por sus obsesiones e ideas fijas. Se nos muestra Petersburgo, en Rusia durante el siglo XIX, ciudad donde se desarrolla la trama, como un lugar sofocante, situación análoga a las condiciones de vida de Raskolnikof, quien vive en un pequeño apartamento, desordenado y aislado del mundo, aparte de estar sumido en la pobreza. Tal situación, aunado a los problemas que aquejan a su familia (su madre y su hermana), lo llenan de ideas extremas y negativas, lo cual produce que se decida, cierto día, a asesinar a una vieja prestamista. Del momento de su descabellada decisión, en adelante, se vé el efecto que su mal tiene en los seres que le rodean, quienes desconocen la verdad detrás de su comportamiento enfermo. Será tomado por loco, situación que aquejará fuertemente a su madre y hermana, que le tienen un amor absoluto. También un psicólogo, un amigo fiel, entre otros, procuran explicarse el por qué del desatino de Raskolnikof. Crimen y Castigo, tal como lo dice su título, muestra que el acto de Raskolnikof no podrá ser fácilmente escondido, ya sea por el remordimiento del joven, como de los ojos de la justicia. Una novela llena de intensidad, donde quedan plasmadas y descritas, con profundidad, las personalidades de sus personajes. También presenta inesperados giros en la trama, ya sea por eventos o en la misma mente de Raskolnikof. Un libro digno de la maestría de Fiódor Dostoievski, cuya lectura difícilmente dejará decepcionados a sus lectores, sobretodo a aquellos que gustan de ver personajes llenos de profundidad, inmersos dentro de una compleja y envolvente historia.

teatro del siglo XX: el teatro del absurdo

Teatro del siglo XX: el teatro del absurdo

La vanguardia teatral europea encontró su momento álgido a partir de los años 50 del pasado siglo. El teatro convencional y realista carecía ya de ideas nuevas y de dramaturgos creativos. La Segunda Guerra Mundial, que había dejado el triste balance de 96 millones de muertos y países enteros arrasados, había supuesto el reconocimiento de que la Humanidad había hecho importantísimos avances técnicos y científicos, pero que no había logrado solucionar los problemas que atañían a su propia naturaleza; no sólo no habían encontrado solución, sino que se habían manifestado con la mayor violencia y crudeza en las guerras. La propia lógica del sistema había hecho caer a los seres humanos en lo ilógico y lo irracional. En ese momento, la desconfianza en la razón y en la lógica social fue recogida por el llamado teatro del absurdo.

Cuaderno de trabajo de Ionesco

El primer autor de esta tendencia fue Eugène Ionesco, que en 1950 estrenó “La cantante calva”. En 1953, Samuel Beckett lleva a la escena su obra “Esperando a Godot”. Los antecedentes de esta tendencia teatral tenemos que buscarlos en Alfred Jarry, con su “Ubu Rey”. Su declaración sobre lo incomprensible parece ya una declaración de principios del teatro del absurdo:

“…relatar cosas comprensibles sólo sirve para entorpecer la mente y desviar la memoria, mientras que el absurdo ejercita el cerebro y hace trabajar la memoria”. Su influencia está detrás de movimientos como Dada y el Surrealismo, antecedentes inmediatos del absurdo.

Por otra parte, el distanciamiento predicado por Brecht y la teatralidad primitiva de Artaud preparan también este camino, que se inscribe en la línea del antiteatro del siglo XX.

El término “absurdo” fue utilizado por primera vez por Sartre para calificar la existencia humana en su análisis sobre el existencialismo; su seguidor, Albert Camus, novelista y dramaturgo, escribió un ensayo donde se trataba del absurdo y se hablaba sobre “el abismo permanente entre el yo y el mundo”. Como se puede ver, las confluencias de ideas fueron muchas y variadas para la aparición de esta tendencia teatral.

En su comienzo, el público no tuvo facilidad para aceptar algo tan diferente a lo que había sido acostumbrado; personajes, ambientes, diálogos, todo resultaba extraño y extravagante. Los propios autores se resistían a dar explicaciones acerca del sentido de sus obras. Preguntado Samuel Beckett acerca del significado de “Esperando a Godot”, respondió que , de haberlo sabido él, lo habría puesto en la obra. Lo cierto es que no pretendían estos autores que se “comprendiera” en el sentido tradicional del término, sino que su finalidad era que al público le llegara la idea de que precisamente no había que preocuparse por el sentido en un mundo sin sentido.

Muchos críticos y eruditos consideraban, por otra parte, que se trataba de un teatro intelectual, que exigía atento estudio, profundo análisis e interpretación. Las comparaciones y la búsqueda de raíces en surrealistas y dadaístas era inevitable. En el teatro no se obtenía una imitación de la vida, sino una visión imaginativa de la vida. Naturalmente, la identificación del público con los sucesos y personajes era imposible, ya que no se captaba el significado sino de modo fragmentario e intuitivo, sin concesiones a lo emotivo; se producía, por tanto, el efecto de distanciamiento que Brecht había propuesto. Sólo se reconoce la irracionalidad que puede ser también percibida en la propia vida.

En realidad, el teatro del absurdo no tenía ningún objetivo concreto. No hay personajes que sean reconocidos, no hay situaciones delimitadas y precisas. El desarrollo de estas obras está basado en la creación de una atmósfera, sólo asimilable intuitivamente. No hay suspense de los acontecimientos y a dónde conducirá la acción, pues lo único que el público puede preguntarse es qué acción impredecible puede venir después, qué acto sorprendente sigue a otro y cómo se puede relacionar cada uno con la totalidad de la obra, de modo que pueda captar al menos algo de lo que viene sucediendo.

Para los dramaturgos del teatro del absurdo el lenguaje está anquilosado y hay que destrozarlo. Desaparece la veneración por el texto y se incorporan a la acción elementos extraliterarios e incluso antiliterarios. Más que un teatro de ideas y palabras, es un teatro de imágenes. Algunos de sus elementos enlazan con las viejas tradiciones bufonescas, con la farsa clásica, sin olvidar el cine cómico de creadores como los Hermanos Marx. Se consideran muchas de sus obras cómicas, pero en el fondo de todas ellas late una gran tristeza, un sentido trágico que un público reflexivo capta de inmediato como un reconocimiento del absurdo en la vida social.



literatura del absurdo

La Literatura del Absurdo da muestra de la filosofía llamada también del Absurdo de la cual Beckett es uno de los máximos representantes. Aunque más bien a Beckett se le relaciona con el Teatro del Absurdo donde la tragedia y la comedia chocan en una ilustración triste de la condición humana y la absurdidad de la existencia. El dramaturgo del absurdo viene a ser un investigador para el cual el orden, la libertad, la justicia, la "psicología" y el lenguaje no son más que una serie de sucesivas aproximaciones a una realidad ambigua y decepcionante. El dramaturgo del absurdo desmantelará el viejo universo cartesiano y su manifestación escénica.

Unas veces sus personajes nacerán dotados de un estado civil, una familia y una profesión, y terminarán por ir perdiendo, de una manera progresiva, todas las características del ser humano. Otras, las menos, los personajes de este teatro se nos aparecerán como extrañas criaturas, a medio camino entre el insecto y el fantasma. Esslin ha propuesto una lista de las viejas tradiciones teatrales utilizadas por los dramaturgos del absurdo para expresar, mediante una inteligente combinación de las mismas, los problemas y las inquietudes del mundo contemporáneo. Esta lista comprende el teatro "puro", es decir los efectos escénicos, propios de espectáculos circenses y de ciertas revistas, como los conseguidos por acróbatas, mimos y bufones, de la Commedia dell’Arte a los hermanos Marx. A ello habrá que añadir los espectáculos dadaístas y surrealistas de los años veinte; las experiencias llevadas a cabo por Artaud con su "théâtre de la cruauté" (teatro de la crueldad) y la innegable influencia ejercida en el teatro del absurdo por el teatro oriental, concretamente el de Bali. Barajando ingeniosamente estas tradiciones, el legado literario y experiencias concretas, el teatro del absurdo crea su lenguaje escénico propio como una voluntaria y violenta reacción ante el "convencional" lenguaje del teatro tradicional. Los personajes no se manifiestan transparente y socialmente; sus expresiones crean un ámbito fascinante y "poético". Su poesía se acerca más al grito y hace retroceder la palabra a un estadio prelingüístico de la expresión. En el teatro del Ionesco el lenguaje se desintegra voluntariamente. En las obras de Beckett posee una enorme densidad teatral y descubre rápidamente un cierto aspecto de la condición humana en el que el espectador queda forzado a reconocerse. Una constante del teatro del absurdo es la pugna de sus personajes por expresarse y la imposibilidad de lograrlo. En el teatro del absurdo lo que ocurre en el escenario desborda y a menudo contradice las palabras pronunciadas por los actores. La situación inicial en que se hallan colocados los personajes de este teatro basta para revelar sus sentimientos y está basada en la representación visual. Sólo precisa de los objetos, los accesorios y el decorado, que adquieren una extraordinaria importancia. La escena del teatro del absurdo representa casi siempre un mundo vacío de sentido, poblado de objetos pesados y molestos que terminan por dominar a los personajes. No es tarea fácil llevar a cabo un censo actual de los dramaturgos del absurdo. Los críticos –Esslin, Pronko, Kesting, Wellwarth- que lo han intentado adoptan unos criterios de selección distintos y caprichosos, incluyendo en sus listas a dramaturgos que en la actualidad han abandonado ya aquel lenguaje escénico como Adomov, Albee o Mihura.

Por otra parte, son poquísimos los autores que reivindican para su teatro el calificativo de "absurdo". En realidad los únicos dramaturgos que podemos considerar representantes auténticos del teatro del absurdo son aquellos cuyas obras motivaron la denominación. Y a estos escasos nombres pueden añadirse unos cuantos más que copian al pie de la letra las estructuras dramáticas de los vanguardistas franceses de los años cincuenta. El teatro del absurdo conoce su apogeo entre 1956 y 1960; con posterioridad a esta fecha, empieza a ser tolerado por la burguesía. Se ha producido un típico fenómeno de complementariedad: el comediógrafo del absurdo ha pasado a desempeñar el papel de brujo en las sociedades primitivas: fija la irregularidad para así poder purificar la masa social. La crítica ideológica, que ha acusado al teatro del absurdo de no ser tan radical como pretendía, desconoce su valor real: constituir un conjunto más o menos coherente de técnicas escénicas que, combinadas, le permiten reflejar larealidad de nuestra época con una mayor riqueza y fidelidad. En este sentido, el teatro del absurdo encuentra sus últimas y más logradas expresiones al incorporar su peculiar lenguaje escénico a espectáculos como US (1967), de Peter Brook, los montajes del Living Theatre (teatro vivo), o las libérrimas adaptaciones de los autores románticos polacos de Jerzy Grotowsky. Creando el vacío sobre la escena tradicional o poniendo de manifiesto su ridícula saturación, el lenguaje del teatro del absurdo distancia al espectador y rompe la unidad orgánica de la sala y la escena, fundamentada en la existencia de un mundo de valores comunes. Así, el espectáculo teatral establece su materialidad de cosa vista. Pero esta función no puede ser más que pasajera, y el "grado cero" al que aspira constituye su horizonte y su limitación, dado que no cuenta con la colaboración del público, elemento imprescindible para el desarrollo pleno de un programa teatral.

Tanto en sus novelas como en sus obras, Beckett centró su atención en la angustia indisociable de la condición humana, que en última instancia, redujo al yo solitario o a la nada. Asimismo experimentó con el lenguaje hasta dejar sólo su esqueleto, lo que oroginó una prosa austera y disciplinada, sazonada de un humor corrosivo y alegrada con el uso de la jerga y la chanza. Su influencia en dramaturgos posteriores, sobre todo en aquellos que siguieron sus pasos en la tradición del absurdo, fue tan notable como el impacto de su prosa.

Epifanias (primer acto) - teatro del absurdo - IBART

Intro to the Renaissance

Antonin Artaud

El Teatro de la crueldad

Teatro de la crueldad

Teatro de la crueldad es un movimiento teatral muy heterogéneo, inspirado en las ideas del escritor francés Antonin Artaud, expuestas en su libro El teatro y su doble (1938).

La base en la que se inspira este movimiento teatral es la de sorprender e impresionar a los espectadores, mediante situaciones impactantes e inesperadas. Con esto se pretende dejar una huella en el espectador, que la obra lo marque.

Estas vagas ideas han dado lugar a numerosas propuestas muy diferentes entre sí. Algunas tendencias interpretan el teatro de la crueldad como una obra que toque las fibras íntimas del público por el mero deslumbramiento y ritualización del espectáculo teatral, en el cual se explotan al máximo sus posibilidades físicas y visuales.

Otra tendencia, más radical, plantea que se debe golpear sentimientos primarios del espectador mediante escenas violentas y chocantes para captar su atención (un claro exponente de esta tendencia, conocida en inglés como "in your face" -en tu cara- es el británico Martín McDonagh, célebre por sus obras de atroz violencia y sadismo). Esta aplicación extrema de las ideas de Artaud ha ocasionado polémicas sobre el valor estético de la tendencia (que se considera que desvirtúa la idea original), ya que un público traumatizado se preocupa más por el golpe emocional que por la trama misma.

Entre los más importantes autores influidos por el teatro de la crueldad están: Peter Weiss, Fernando Arrabal, David Mamet, El Living Theatre de New York, Alejandro Jodorowsky y en menor medida, Harold Pinter, Santiago Roldos por las desconcertantes acciones de algunos de sus personajes.

VANGUARDIAS DEL SIGLO XX

Surge en Francia durante los años de la Primera Guerra [1914-1917].En el siglo XX como podemos darnos cuenta es una serie de movimientos artísticos que buscaban cambios en la producción artística; se destacaban principalmente por la renovación radical en la forma y el contenido; buscaban la relación entre arte y vida, y también reinventar el arte confrontando movimientos artísticos anteriores.

El vanguardismo se manifiesta a través de varios movimientos que, abordan la renovación del arte y la pregunta por la función social, desarrollando recursos que separen o distorsionen los sistemas más aceptados de la representación como son el teatro, pintura, literatura, cine, arquitectura y música entre otras.

La característica principal del vanguardismo es la libertad de expresión, que se manifiesta en la estructura de las obras.

Características de las vanguardias

Tenían que abandonarse los temas viejos, ya que casi no poseían un buen sentido.

En la poesía se jugaba constantemente con el símbolo.

Las reglas tradicionales necesitaban de una mayor libertad para expresar adecuadamente su mundo interior.

Reaccionaba contra el modernismo y contra los imitadores de los maestros de esta corriente; una conciencia social que los llevaba en ocasiones a tomar posiciones frente al individuo y su destino.

Algunas vanguardias importantes fueron:

Expresionismo

Movimiento literario que se caracterizo por su continua reflexión sobre la existencia y la muerte, surgió en medio de las dos guerras mundiales y por ello, en cierto sentido es producto de la desorientación y el desarraigo producidos por los cambios en la cultura, valores y principios que caracterizaron la sociedad durante mucho tiempo.

Uno de los personajes más representativos fue Albert Camus con su obra en extranjero que deja ver todas las características del existencialismo.

El existencialismo distorsiona las formas y recurre al uso de colores fuertes pues su intención es presentar el uso de las líneas buscando transmitir los sentimientos.

Futurismo

Fue un movimiento literario surgido en Italia en la primera década del siglo XX.

Promotor del futurismo

Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944)

Fue un escritor italiano, poeta y novelista, fundador del futurismo. Durante su juventud se radico en parís, donde publico sus primeras obras, escritas en francés. Uno de sus mayores atributos alude a su sensibilidad para entablar nuevas relaciones con el público.

Características principales:

La agresividad

La temeridad

La amenaza

Exaltación de ciertas características de la vida moderna.

Efectos que se dieron en la literatura

Distanciamiento de los acuerdos gramaticales.

Abolición de la sintaxis, de la puntuación, del uso claro de adjetivos y de adverbios en la escritura.

Preocupación por dinamizar la sensación y el movimiento.

Mejores exponentes

En el ámbito italiano los más destacados fueron:

Aldo Palazzeschi

Ardengo Soffici

Este movimiento rompía con la tradición, el pasado y los signos de la historia del arte. Consideraba como elementos principales de la poesía el valor, la audacia y la revolución, ya que se pregonaba el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso gimnástico, el salto peligroso y la bofetada.

Dadaísmo

Este movimiento surge en Zúrich- suiza, en 1916. Dentro de sus motivaciones estuvo el reaccionar de manera artística a la violencia extrema a la pérdida de sentido que trajo la Guerra Mundial.

Mantuvo una destrucción y negociación por las cosas, y estaba encaminado a suprimir cualquier relación entre la expresión y el pensamiento.

Características

Disposición del espíritu, forma de vida.

Plantea la destrucción de arte.

Gesto provocador contra el sentido normativo común frente a la ley moral, las costumbres.

Conduce la protesta a la negociación de la razón.

Ideólogo

Tristán Tzara (1896-1963)

Poeta y ensayista francés, nacido en Rumania. Escribió los primeros manifiestos del movimiento. Se unió a la resistencia francesa durante la segunda guerra mundial.

El dadaísmo tenía cierto procedimiento en el cual se buscaba renovar la expresión mediante el empleo de materiales inusuales, o manejando planos de pensamientos que antes no eran mezclables, con una tónica de rebeldía o destrucción.

Surrealismo

Fue un movimiento de vanguardia más duradero. Tuvo una mayor cohesión ideológica, y mantuvo una respuesta constructiva al Dadaísmo.

Se tenía cierta preferencia por reivindicar el valor del subconsciente.

Se postuló fundamentalmente que son los seres humanos, en forma individual, los que crean el significado y la esencia de sus vidas.

El surrealismo tuvo un arte visionario, primitivo y psicopatológico.

Características

Atender el pensamiento sin la regulación de la razón.

Ajeno a preocupaciones estéticas o morales.

Interesado por el libre ejercicio del pensamiento.

Manifiesta el inconsciente sin ninguna mediación.

Describe la ausencia de una fuerza trascendental; ósea que el individuo es libre y, por ende, totalmente responsable de sus hechos.

Los humanos se crean una ética de responsabilidad individual, apartada de cualquier sistema de creencias externo a él.

Ideólogo

André Breton (1896-1966)

Poeta y crítico francés. Estudiaba las posibilidades de la escritura automática, fue miembro del partido comunista francés.

Cubismo

Nació en Francia en 1905. Sus principales rasgos son la asociación de elementos imposibles de concretar, desdoblamiento del autor, disposición gráfica de las palabras, sustitución de lo sentimental por el humor y la alegría y el retrato de la realidad a través de figuras geométricas.

Fue uno de los primeros movimientos artísticos que surgieron en el siglo xx transformándose en una verdadera revolución dentro de la pintura.

Surgen los llamados ismos artísticos que rompen con los leguajes tradicionales (renacentista), la perspectiva.

Características

Fue considerada la primera vanguardia.

Trata las formas de la naturaleza por medio de figura geométricas.

Se adopta la perspectiva múltiple: representan todas las partes de un objeto en un mismo plano.

Representación del mundo, pues no se tenía compromiso con la apariencia de las cosas sino con lo que se sabe de ellas.

No existe punto de vista único.

En la pintura se usan los tonos pictóricos (grises, verdes, marrones).

Ideólogos

Pablo Picasso (1881-1973)

Pintor y escultor español, fue uno de los creadores del movimiento cubista.

Uno de los mayores artistas del siglo XX, considerado pacifista y comunista.

Hizo el cuadro del a vida, uno de los mayores lienzos de su época azul-1901-1904.color que domina la gama cromática de las pinturas.

George Braque (1882-1963)

Pintor y escultor francés.

Tuvo dos fases en el cubismo:

La primera pinta cuadros de superficies superpuestas y planos angulares.

Componiendo a base de cubos

La segunda es la fase del cubismo analítico en la cual sus objetos quedaban descompuestos hasta el punto de ser irreconocibles.

Expresionismo

Movimiento cultural y corriente artística que surgió en Alemania a principios de siglo XX.

Tuvo plasmación en gran número de campos artes, plásticas, literatura, música, teatro, danza, fotografía entre otras.

Se tenía una manifestación en el terreno de la pintura y una deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los sentimientos.

Características

Distorsiona las formas y recurre al uso de colores fuertes y puros, con combinaciones al azar todo esto para alimentar sus obras.

Esta presente el uso de líneas buscando transmitir el ritmo de los sentimientos.

Se deja del lado la representación objetiva de la figura humana dando paso a rostros desfigurados y tristes.

Predominan los colores azul, amarillo y verde, contrastando con el blanco y el negro.

Supone un nuevo concepto de arte, entendido como una forma de captar la existencia, reflejar lo inmutable.

Ideólogo

Vincent Willem Van Gogh (1853-1890)

Pintor, estudio dibujo y perspectiva holandés.

Sus cuadros describen los sentimientos básicos humanos, como el miedo, el horror y la muerte. Por lo tanto, no requiere de una buena técnica, ni de un resultado estéticamente bello.